9月19日晚，田蔓莎概念川剧《情叹》上演，910个座位的上戏剧场座无稀席，四千多平米的空间只有一个焦点——那就是舞台，那就是戏中角色焦桂英。
    几百年前，一个戏中角色焦桂英的悲惨困境；几十年前，一个川剧艺术家真实的命运；如今，田蔓莎用无法忘却的“肢体记忆”向我们展示川剧在其身上留下的痕迹，寻求传统戏曲在当代的另一种表达可能。
 一、有技术更有艺术
    传统戏曲是一门“口传心授”的艺术，重“口传”更重视”心授”，传“技”更重传“艺”，但当今的戏曲舞台上，飚“技术”无“艺术”的作品却很多，田蔓莎概念川剧《情叹》很难得的就是既有技术更有艺术。田蔓莎是一位成熟的艺术家，其成熟的表现在于戏曲功底的扎实和规范，舞台上，田蔓莎手、眼、身、步分解动作的展现在技术层面上分析无可挑剔；其成熟的表现更在于艺术的追求和思想的探求上，田蔓莎在舞台上呈现的爱、恨、念、唱塑造的是一个有血有肉、有情有爱的焦桂英，而不是一个简单的拿腔拿调，炫技飚腔的焦桂英。整场演出，不但呈现表演的艺术性，也表现出了舞美、灯光、服装、道具的艺术性，这些元素与表演融为一体，恰到好处。田蔓莎说：“我在实验的过程中发现传统戏舞台上的道具可以不仅仅是道具，也可以是表演的对象”，这是田蔓莎的艺术追求和艺术思想。成熟的观众希望在艺术表现中得到美的感受，田蔓莎概念川剧《情叹》做到了，演出现场掌声阵阵，这是对田蔓莎表演技术的肯定，更是对其表演艺术的肯定。
二、有意味更有意义
    漆黑的舞台上，光束打在了一双彩鞋上，灯光暗去，又一束光打在了各种情态的手上。隐藏于幕后的乐队搬上舞台，除了伴奏之外还承担了“帮腔”和 “群众演员的职能，这些是整场演出的基本形式，简约却不简单。难得的是，田蔓莎概念川剧《情叹》既不会因为追求简约而简单，也不会为了壮观而奢华，其演出的形式是为了内容的需要。田蔓莎请乐师直接坐在台上演奏，参与到演员表演之中，戏演到“文革”一段时，六位乐师甚至出现在舞台上，拿着彩鞋往主演身上砸，表现演员被赶下舞台的情景，这种形式的处理是为了内容的需要。有研究者认为田蔓莎概念川剧《情叹》有命运的哀叹、灵魂的拷问，更有对于命运的挣扎，该观点的生成立足于该剧的思想性，概念川剧《情叹》中，田蔓莎的表演富有提示意义，有深度，富有哲理。
三、有创新也有传承
    在《情叹》首演至今的五年里，很多人追问田蔓莎的创新是否丢去了传承，观看《情叹》演出后，我们应该看到，传承恰恰是其创新的目的之一。俗话“古为今用”、“取其精华，去其糟粕”，这是辩证唯物主义的艺术观，所以不管从哪个角度看，传统戏曲的生存和发展都离不开创新。在《情叹》的表演中，我们可以看到很多传统戏曲的元素，不管是手、眼、身、步的表演动作还是以象征、表意和借喻为主的表达手法，田蔓莎创作还是在坚持传统，这是当代戏曲艺术家的自觉和自信意识的体现。在戏曲界往往有这样的观点，有人认为继承就是原汁原味的保留，至于这种保留是否可行？是否有意义？这批人想得很少。实际原封不动的保存根本不可能，从某些角度说，这是一种逃避历史责任，并且懒惰和无能的表现。戏曲的前辈艺术家是传统艺术的弘扬者，更是艺术创新的先驱者。戏曲界还有这样的观点，认为创新不需要基础，不需要传承，持此观点者经常挂羊头卖狗肉，借助戏曲的形式，达到功利的目的。没有传承的创新就不是创新，那是创造。田蔓莎是当代戏曲艺术改革的前行者，但她很谦虚，也很敬畏传统艺术，她有创新的气魄，但她无意颠覆传统，她经常说是传统艺术给了她滋养，她有传承的责任和义务，只是传承的角度不同。她正在探索让更多的观众认识、理解、喜爱戏曲的道路，这条道路不是背离传统，而是推广。
   正是源于田蔓莎概念川剧《情叹》的艺术魅力，很多普通的观众买票看戏，很多专家专程看戏，很多文艺单位的领导给予了关心和支持。上海京昆咨询委员会马博敏，上海市委宣传部文艺处汪浩，上海戏剧学院楼巍、黄昌勇、宫宝荣、张伟令等校领导，海外高校的教授，上海各院团的领导、编辑、导演，上海各高校的学生等都来到现场观看了演出。